La technique de l'aérographe de Harald Wiesner, flottant entre l'abstraction géométrique et le réalisme métaphysique. Tout au long de l'histoire de l'art moderne, des techniques artistiques ont été découvertes qui ont révolutionné le processus créatif et qui, combinées à des innovations expressives pressantes, ont donné naissance à de nouveaux langages basés sur la tendance naturelle de chaque artiste. Le protagoniste actuel a basé toute sa production sur une approche picturale particulière, qui est devenue l'une des pierres angulaires d'une série de courants artistiques ultérieurs. L'aérographe est une méthode de peinture qui est probablement utilisée depuis des temps lointains et primitifs, lorsque les peintures rupestres montraient souvent des empreintes de mains entourées de pigments rougeâtres. De toute évidence, la technique était rudimentaire et loin d'être une voie de raffinement et d'expansion, il a connu au milieu des années 1950, lorsque certains artistes ont commencé à expérimenter avec la peinture aérienne sur une variété de surfaces. Développé à l'origine comme une technique industrielle pour colorer rapidement de grandes surfaces et des carrosseries de voiture l'aérographe a rapidement été utilisé pour donner de la couleur à des photographies en noir et blanc, période précédant la découverte de la technique de la couleur, qui est devenue de plus en plus intéressante dans le monde de l'art expérimental de la fin du 19e et du début du 20e siècle. Mais ce n'est qu'avec le Pop Art et le photoréalisme américain qu'elle a été considérée comme une forme d'art ou comme faisant partie du processus créatif chez certains artistes de l'époque . Du mur au papier, du bois au métal, du cuir au textile, le spray painting a fasciné de nombreux représentants non seulement du Pop Art et de l'art contemporain, mais aussi de l'art moderne. photoréalisme, mais aussi de l'hyperréalisme et, plus tard, du street art contemporain. Le processus compliqué consiste non seulement à créer des films de protection autour du contour de l'image souhaitée, mais aussi à appliquer la peinture de manière uniforme et à manipuler avec brio le brouillard de pulvérisation du pistolet à air comprimé, fondamental pour cette technique. Les films protecteurs étaient les ancêtres des pochoirs créés par les artistes de street art qui, compte tenu du caractère transgressif de leur manière de faire de l'art, avaient besoin d'une exécution rapide pour ne pas être pris en flagrant délit. L'apparente simplicité de l'exécution simplicité d'exécution s'accompagne d'une grande maîtrise graphique, base essentielle de la conception finale de l'œuvre d'art , et de la possibilité de doser la peinture de manière à ce que les couches se chevauchent sans recouvrir complètement celles qui se trouvent en dessous, créant ainsi des images tridimensionnelles et captivantes. Cette technique, souvent utilisée dans le design graphique et la publicité, est complémentaire d'un style de peinture manuel plus classique, qui ne dédaigne pas l'innovation et l'exhaustivité d'une finition plus brillante avec des peintures opaques ou acryliques. L'artiste autrichien Harald Wiesner a été un pionnier de cette technique dans les années 1980, un maître qui a réussi à concilier sa passion pour l'abstractionnisme géométrique, dans lequel les tons métaphysiques sont très souvent présents, avec la technique de la peinture. des tons apparaissent, à la technique de l'aeorgraphie ; sa capacité à utiliser le jet d'air étonne et fascine à la fois le spectateur, qui est entraîné dans les concepts des œuvres. Tout strictement sur le papier, les peintures de Wiesner semblent être une analyse de la vie moderne, l'équilibre entre la réalité et l'imaginaire, entre le pragmatisme et les rêves, qui ont enveloppé l'homme de la fin du XXe siècle autant que celui du XXIe un , constamment prêt , entre la forme et la substance, entre le penchant pour la beauté et la question latente de savoir combien d'esthétique est suffisante si elle ne contient pas de substance . Harald Wiesner, non seulement artiste mais aussi auteur de projets de communication et de design industriel, est l'un des principaux aérographes d'Autriche, connu et apprécié à l'étranger pour ses œuvres mystérieuses et métaphysiques. Au cours de sa carrière, il a créé des peintures d'un grand impact, capables de stimuler l'esprit et la réflexion du spectateur, qui se sent enveloppé par le mystère des images de l'artiste. Dans Red Elements, il place trois figures géométriques en rouge laqué au centre de la composition, en contrastant leur rigueur et la couleur tranchante qui les distingue du fond plus aéré et ombré, comme s'il voulait souligner d'une manière ou d'une autre l'attachement à tout ce qui est rigide, opposé à tout ce qui est soumis à des règles schématiques, n'est en réalité qu'un appui apparent, un désir de s'accrocher à des certitudes qui n'existent pas dans la réalité extérieure ; L a volatilité du ciel dit au spectateur que le chaos est une composante prétentieuse et permanente du quotidien, qu'il brouille les cartes et subvertit l'ordre auquel l'individu s'accroche pour ne pas être déstabilisé. Le rouge représente la détermination et aussi le mystère qui se cache derrière l'apparence de concepts mathématiques préfabriqués qui ne se réalisent pas dans la réalité. Dans Landing, Wiesner parle d'un lieu indéfini, un lieu entre ciel et terre, entre imagination et tangibilité, où les fissures qui sillonnent le paysage lunaire apparaissent comme une métaphore de la souffrance, ces traces indélébiles qui enveloppent l'intérieur et qui souvent ne peuvent être atténuées ou effacées, même lorsqu'un élément doux comme la demi-sphère bleue apparaît comme un cadeau, une chance de laisser ces cicatrices et de recommencer à partir de ce point de départ inattendu ; ou au contraire, les fissures marquent le sol sec qui enveloppe l'intérieur de ceux qui ne peuvent pas lâcher les événements, bien qu'ils arrivent de manière forte et incisive, de sorte que dans ce cas, l'hémisphère veut nourrir la sécheresse du sol pour offrir une nouvelle possibilité de régénération en accueillant une nouvelle vision, une approche plus douce et plus approche plus empathique qui dissout la fermeture émotionnelle précédemment manifestée et qui, pour cette raison, l'enrichit. Dans Verwirrung, l'artiste compose une superposition de matériaux et de matières. couleurs et de matériaux pour représenter la stratification de la vie, à partir de tous les événements qui se succèdent et qui modifient complètement la réalité préexistante, qui constituait une base sûre, un point fixe pouvant donner une stabilité, qui est ensuite détruite par ce qui suit. se produit ensuite, est complètement détruit. La sédimentation qui s'ensuit crée de l'instabilité et de la confusion, mais elle est en même temps nécessaire à l'évolution personnelle, à la prise de conscience de ses propres forces et capacités à réagir et à sortir du chaos pour construire un nouvel ordre. Dans Clouds, en revanche, Harald Wiesner renonce à la Wiesner à la rigueur géométrique et procède de manière plus figurative et résolument plus douce, presque comme s'il voulait suggérer au spectateur l'importance d'une attitude ouverte et flexible face à une existence unique et irrépétable, et qu'il ne fallait donc pas se conformer à des être vécue selon une seule voie toute tracée et planifiée à l'avance, mais qu'il serait bien préférable de s'abandonner en douceur au flux des événements, sans perdre l'équilibre. La capacité d'adaptation caméléon aux événements n'est pas une faiblesse, au contraire, c'est une force qui conduit à ne pas investir son énergie dans une résistance rigide, mais à l'utiliser pour contourner les obstacles et trouver une nouvelle voie pour renaître. Au cours de sa longue carrière, l'artiste expérimenté Harald Wiesner a participé à de nombreuses expositions. carrière, a participé à de nombreuses expositions collectives et individuelles et est internationalement reconnu pour sa maîtrise de la technique qui caractérise l'ensemble de son œuvre